Oscar 2014 apresenta sincronicidades e recorrências

O esperado duelo entre os filmes "Gravidade" e "12 Anos de Escravidão" na categoria Melhor Filme acabou se confirmado na 86^o Cerimônia do Oscar. O prêmio da categoria acabou confirmando uma recorrência observada pelo menos desde 2010: além do fato que a Academia parecer não gostar muito de premiar filmes em 3D, percebe-se que filmes de História sempre vencem. Como explicar esse padrão? Talvez começando por uma curiosa sincronicidade que envolve a comediante Ellen DeGeneres e Hollywood: ela sempre é convidada a apresentar cerimônias um ano após grandes tragédias nacionais. Talvez aí encontremos uma conexão ideológica entre os filmes-catástrofe, os chamados filmes históricos e o atual quadro econômico mundial recessivo.

Desde o primeiro cinema se estabeleceu a oposição entre ficção e realidade, ilusão versus documentário: de um lado os irmãos Lumiére que acreditavam que a verdadeira natureza da câmera era documental; do outro lado o ilusionismo das trucagens, cortes e sobreposições das imagens do ex-mágico Méliés que acreditava que a essência do cinema era ficcional. De um lado o realismo documental das imagens da saída de operários no final de um dia de trabalho captadas pelos Lumiére; e do outro, os efeitos mágicos da primeira viagem à Lua criados por Méliès.

Não é à toa que os primeiros gêneros populares no primeiro cinema fossem tão opostos: o fervor religioso dos filmes sobre a paixão de Cristo versus prazer voyeurístico das primeiras imagens pornográficas. Ficção e não-ficção, ilusão versus realidade e formalismo versus realismo foram oposições que a história do cinema acabou criando, ajudando a construir uma forma de entretenimento não totalmente “irreal”, mas carregado de verossimilhança e plausibilidade. Uma forma de entretenimento que divertiria, mas, ao mesmo tempo, seria capaz de dizer “verdades”.

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Em Observação: Oscar 2014 - "É a economia, estúpido!"

Ao contrário de 2013, esse ano há poucos filmes entre os indicados ao Oscar que abordam temas mitológicos, místicos ou religiosos. Se no ano passado tivemos “Django Livre”, “As Aventuras de Pi”, “O Mestre” entre outros, no Oscar 2014 temos apenas o filme “Gravidade”, “Ela” e a animação japonesa “Vidas ao Vento” de Hayao Miyazaki (“A Viagem de Chihiro”, 2001). Por que essa mudança conceitual entre os filmes indicados ao prêmio máximo da indústria do cinema? Será que a expressão “É a economia, estúpido!” sintetizaria essa guinada de Hollywood para esse ano?

Comparado com a premiação do Oscar do ano passado, a presença de filmes indicados com temas mitológicos, religiosos, místicos e esotéricos é sensivelmente menor. Em 2013 tínhamos filmes como Django Livre (o encontro do spaghetti-western de Tarantino com temas bíblicos e vingança), Indomável Sonhadora (a jornada do herói de uma menina lutando contra a ameaça do caos e das águas), O Mestre (a história da espiritualidade contemporânea através da ascensão de uma seita chamada Cientologia) e ainda As Aventuras de Pi (onde os relatos de diversas religiões nada mais são do que signos diante de um cosmos hostil e violento que cria no protagonista uma nova experiência do sagrado).

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Por que celebramos a velocidade?

“Quicklube”, “Quick Cash”, “American Express”, “Federal Express”, “Mach 3”, “Slimfast”, “Speedo”, “Speed Dial”, “Crédito Rápido”. “Entregamos em 20 minutos ou você não precisa pagar por ele”. “Você precisa agir AGORA!”. “Corra! Restam alguns dias. Acabarão muito em breve!” Ser veloz é moralmente bom, como diariamente nos dizem as mensagens publicitárias. Se a velocidade tornou-se uma força psicológica que afeta nossas relações com o mundo, como uma sociedade pode pretender humanizar o trânsito e a vida urbana se ela mesma promove a celebração da velocidade e da aceleração? Através dessa celebração da velocidade e da glamorização da lei do menor esforço, a obsessão pelo "maior é melhor" é substituída pela compulsão do "mais rápido é melhor“. Situações velozes se tornam significantes naturais do desejo, superioridade e eficiência, enquanto a lentidão é sinônimo de frustração e impotência. 

Onde Guy Debord via a “sociedade do espetáculo”, Paul Virilio (urbanista e pensador francês) via uma “sociedade da velocidade”. Nesta abordagem, velocidade é um meio ambiente e uma força sócio-psicológica que transformam o que fazemos, como o fazemos, como nós pensamos e sentimos e, assim, como nos tornamos.

Os estados velozes se tornam o significante do desejo, capacidade, superioridade, eficiência, energia libidinal, performance e inteligência. Ao contrário, lentidão torna-se o significante da frustração, falta, inferioridade, deficiência, impotência, fraqueza, ou ainda – pensando em termos infantis – retardamento mental.

Velocidade se torna um novo imperativo cultural, disciplina, forma de dependência e submissão. Virilio também vê a velocidade como uma força psicológica e social ou uma pressão que altera a visão de mundo, desorienta-nos, deixa-nos num estado de concussão mental e promove uma profunda crise que afeta nossas relações com o mundo, sociedade e democracia. Para ele, a natureza não é apenas destruída por uma poluição química ou térmica mas também por uma poluição dromosférica – uma invisível poluição através da velocidade (veja VIRILIO, Paul. “Velocidade e Política”).

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Não existe almoço grátis para o remake "RoboCop"

“Não existe almoço grátis”, diz uma frase popular americana que sintetiza bem o espírito pragmático daquele país. E José Padilha, diretor brasileiro de Tropa de Elite (2008), deve ter comprovado isso ao ser convidado pelos estúdios da MGM para dirigir o remake do clássico de ficção científica “RoboCop” dirigido pelo holandês Paul Verhoeven em 1987. Atravessando séria crise financeira, o estúdio não quis se arriscar em fazer uma refilmagem com o mesmo tom crítico visceral da versão original: os temas da ganância corporativa, do desmanche e da privatização da segurança pública estão diluídos em um roteiro onde os vários coadjuvantes se equivalem em meras opiniões ou pontos de vista. Mais ainda, o filme parece apresentar um estranho ato falho: ao colocar o papel da mídia como o principal instrumento de manipulação corporativa, sugere que o próprio filme estaria mostrando que o seu herói RoboCop poderia ser o instrumento de um lobby bastante atuante em Hollywood, o da indústria de armas.

Na verdade o filme seria dirigido por Darren Aronofsky ("Cisne Negro" e "Pi"), que abandonou o projeto no meio do caminho (o roteiro já estava pronto) diante das sérias dificuldades financeiras do estúdio – segundo a revista Financial Time a MGM possui uma dívida atual de 3,7 bilhões de dólares e grande parte dos seus lucros são atualmente drenados para o pagamento dos juros – sobre isso clique aqui. As especulações sobre o motivo da desistência de Aronofsky foram muitas: resistências fazer um filme em 3D, recusa da MGM em pagar alto salário a um consagrado diretor e rejeição do estúdio pelo roteiro apresentado por Aronofsky.

O fato é que José Padilha acabou trabalhando com o roteiro do estreante Joshua Zetuner e como protagonista escolheu o sueco Joel Kinnaman. As locações foram feitas fora dos EUA, no Canadá – as más línguas diriam que todas essas alternativas mais em conta teriam sido escolhas naturais de um estúdio pendurado sobre um abismo financeiro.

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A miséria da estética e da linguagem do trabalhador precarizado

No passado era o proletariado, os explorados e os excluídos. Hoje temos os precarizados: trabalhadores terceirizados, estagiários, temporários e todo um conjunto de profissionais treinados espontaneamente para suas funções através da manipulação de ícones em telas de celulares e mensageiros instantâneos usados no dia-a-dia, desde o velho ICQ até o atual Skype. Participantes incautos de uma ordem que foi secretamente gestada no interior de gigantescos prédios espelhados, com o apoio de uma estética e linguagem igualmente precarizadas criadas por planilhas eletrônicas e elegantes gráficos e tabelas projetadas em reuniões onde orgulhosos gestores professam discursos que misturam efeitos de ciência, religião, misticismo e fenômenos da natureza.

“Aquele que é duro consigo mesmo também é com os demais” (Theodor Adorno)

No início foi o gerundismo dos telemarketings e SACs de empresas que invadiu a fala cotidiana. Ao mesmo tempo, imensos prédios corporativos em concreto e vidros espelhados tomavam a paisagem urbana como fossem bunkers isolados do contato com o mundo exterior por meio de seguranças privados e sistemas centrais de climatização.

E no interior desses prédios foi secretamente gestada uma nova ordem estética e linguística para dar sentido imaginário a um novo tipo de organização de trabalho: a precarização – trabalhadores terceirizados, temporários, por tempo parcial, estagiários, trabalhadores da “economia subterrânea” etc.

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Quando fantasmas aparecem quem você chama: The Ghost Busters ou Ghostbusters?

Poucos sabem, mas o filme “Ghostbusters” de 1984 foi inspirado em uma série de TV exibida em 1975 nos EUA e no Brasil, chamada “The Ghost Busters”. Baseado no humor “pastelão” e “trash” a série contava as aventuras e desventuras de um trio (entre eles um gorila!) que perseguia fantasmas e seres sobrenaturais com um “desmaterializador de fantasmas”.  O roteiro original do filme “Ghostbusters” escrito por Dan Aykroyd e Harold Ramis (mais fiel ao espírito da série de TV de 1975) foi recusado pela Columbia Pictures e recriado dentro de um tom bem diferente, dessa vez cínico e marcado pelos valores do “cinema recuperativo” dos anos 1980 – os valores do empreendedorismo, individualismo, fama, sucesso e ambição misturados com os fantasmas que deveriam ser exorcizados em um país que tentava se reerguer através do neoliberalismo após a recessão da década de 1970.

Se o historiador francês Marc Ferro estiver certo de que o filme pode ser considerado um verdadeiro documento primário por expressar por meio de imagens e movimento o imaginário e sensibilidades de uma determinada época, então encontraremos uma expressão cinematográfica das diferentes sensibilidades de cada década em remakes ou adaptações.

Podemos fazer um exercício dessa análise comparativa com dois filmes, o original e o remake, dentro do subgênero “caçando fantasmas”: a série original The Ghost Busters (1975) e Ghostbusters (1984).

Esse verdadeiro subgênero tem uma longa tradição no cinema norte-americano onde fantasmas ou seres sobrenaturais surgem para perturbar a ordem do mundo dos vivos para depois serem caçados por heróis especializados nos fenômenos paranormais (ou nem tanto) e despachados para o outro mundo de onde não deveriam ter saído.

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Por que somos seduzidos pelo virtual?

“É a verdade... a digitalização da vida real. Você não vai só a uma festa. Vai a uma festa com uma câmera digital. E seus amigos revivem a festa on line.” Essa afirmação de Sean Parker (criador do Napster, interpretado no filme por Justin Timberlake), que aparece solta nas frenéticas linhas de diálogo no filme “A Rede Social” (The Social Network, 2010), é a síntese do “desejo de virtualidade”, essa motivação individual que sustenta todo o projeto tecnognóstico que domina a atual agenda tecnológica e científica. O desejo pela digitalização da vida seria a recorrência de uma milenar aspiração gnóstica pela transcendência da carne e a imortalidade da espécie. Mas essa aspiração por transcendência transforma-se em má consciência ao ser capturada por sistemas econômicos e políticos. Transforma-se em ideologia, como questiona o pesquisador canadense em ciência política, tecnologia e cultura Arthur Kroker.

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Projeto inédito no Brasil promete imersão real do espectador no cinema

3D, 4D, 5D, IMAX. A indústria cinematográfica atual vem mobilizando toda uma parafernália tecnológica para capturar o desejo de quebra da rotina e fuga da realidade do espectador. Imersão e interatividade são as palavras de ordem da indústria do entretenimento. Nesse mês uma inédita experiência de imersão cinematográfica em São Paulo pretende ir além dessas estratégias industriais padronizadas, mostrando que o espectador pode de fato imergir no espaço das sequências de um filme: é o audacioso e complexo projeto Cine Imersão. Inspirado no conceito de teatro interativo existente no Canadá, Austrália e Inglaterra, a fusão de cinema, performances, música e narrativas ao vivo em um só universo propiciaria uma experiência real de participação. Bem diferente da imersão tecnológica proposta pela indústria hollywoodiana onde mente e corpo permanecem passivos todo o tempo.

Filmes em tecnologia 3D e IMAX. Salas de projeção onde cadeiras se mexem e produzem efeitos reais como aromas, vento, fumaça etc. Tudo isso parece demonstrar uma coisa: o desejo crescente dos espectadores e não apenas assistir passivo, mas imergir no próprio filme.

Mas ainda assim nessas tecnologias a imersão é simulada: o corpo do espectador ainda está passivo na poltrona e ele não pode explorar o espaço. A tecnologia provoca os sentidos visuais, olfativos e táteis, mas o espaço permanece inalterado e sem interatividade.

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A rua se tornou uma extensão do estúdio de TV?

A grande mídia coloca a morte trágica do cinegrafista Santiago Andrade num quadro mais geral de supostos “ataques arbitrários a jornalistas” que representaria uma “ameaça à liberdade de informação”. Esse discurso parece cumprir um duplo propósito: esconder o fato de que essas manifestações apontam para uma profunda mudança nas relações entre mídia e sociedade e, também, encobrir o aproveitamento oportunista do episódio com o objetivo de reforçar ainda mais a escalada da percepção do medo e instabilidade que colocaria em xeque a legitimidade de um governo democraticamente eleito. A morte do cinegrafista poderia ser o sintoma de uma tendência mais generalizada onde as ruas se transformam em extensões do estúdio da TV e a mídia acaba se transformando na própria notícia. Se isso for verdade, estamos diante de mais uma bomba semiótica que demonstra que a atual guerra semiológica travada para a conquista da opinião pública passou para a fase da guerra total.

Certa vez o teórico e estrategista da ditadura militar brasileira, Golbery do Couto e Silva, disse: “Tudo, menos um cadáver!”. Era o período tenebroso da repressão política e do desaparecimento de ativistas políticos. Aparecer um cadáver que se transformasse em mártir era tudo que a ditadura não queria naquele momento e, por isso, a mídia era duramente controlada e censurada.

Era uma época em que a informação era perigosa para o Estado militar. A informação era um bem escasso, alienado e submetido às formas de dissimulação como a manipulação, mentira, censura etc.

Hoje, esse cenário de dissimulações da informação foi deixado para trás. Vivemos o momento da simulação ou daquilo que o pensador francês Jean Baudrillard chamava de “obscenidade” e “êxtase da comunicação”: não só as imagens de acontecimentos se proliferam e se multiplicam como, principalmente, começam a surgir relações cada vez mais promíscuas entre os acontecimentos e as mídias a tal ponto que não sabemos mais quem transmite e o que é transmitido – é o império da simulação.

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Em Observação: "Computer Chess" (2013) - Inteligência Artificial e cultura nerd

Softwares de xadrez tentam imitar a inteligência humana enquanto programadores de computador discutem o que os motivam a procurar a Inteligência Artificial. Ambientado no início dos anos 1980, “Computer Chess”, o filme faz um mergulho ao mesmo tempo sério e bem-humorado na cultura nerd dos engenheiros do Vale do Silício: suas motivações, esquisitices e a estranha relação fetichista com os computadores que estava por trás do início da explosão da indústria da tecnologia nos EUA. Filmado em preto e branco, o filme cria uma estranha atmosfera retro como se testemunhássemos a intimidade de pessoas que acreditavam que a matemática e algoritmos poderiam reproduzir a complexidade humana.

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Publicidade explora a geometria sagrada subliminar

Atualmente a inteligência visual publicitária vem mobilizando técnicas cada vez mais sofisticadas que exploram recursos não apenas psicológicos ou comportamentais, mas agora atinge uma dimensão de simbolismo mais profundo: a chamada “geometria sagrada”, expressão usada pelo esoterismo e gnosticismo para designar toda uma área de estudos de como as formas geométricas básicas representam conteúdos arquetípicos e padrões (modelos, ritmos e proporções) que integram o repertório que permite tanto a Natureza como o psiquismo humano se expressar. Com o auxílio das técnicas da semiótica visual, círculos, quadrados e triângulos estariam sendo instrumentalizados para criar uma verdadeira geometria subliminar.

Quantos de nós veem? Em uma cultura onde a informação é transmitida numa forma predominantemente visual, enxergar ou olhar para telas, displays, outdoors, placas, impressos etc. parece ser uma função natural e espontânea. Não nos importamos muito com essa função, a não ser nos seus aspectos oftalmológicos quando necessitamos de lentes corretoras ou de intervenções cirúrgicas.

Continuamos a enxergar ou olhar, mas, de fato, realmente vemos? Essa simples pergunta abrange uma longa lista de atitudes ou funções multilaterais como observar, perceber, compreender, reconhecer, contemplar, descobrir, entre outras. Pesquisadores como Donis A. Dondis sugerem uma complexa “inteligência visual” por trás do simples ato de olhar e aponta para a necessidade de uma “alfabetização visual” para que possamos compreender mais facilmente os significados assumidos pelas formas visuais - Leia DONDIS, Donis A. Sintaxe da Linguagem Visual, Martins Editora, 2009.

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Comercial "Eu Sou O Futebol" é uma bomba semiótica?

O novo vídeo publicitário da Brahma alusivo à Copa do Mundo no Brasil intitulado “Eu Sou O Futebol” surge no momento de pesada atmosfera política do “Não Vai Ter Copa” nesse início de ano. Numa coincidência significativa, o vídeo toma emprestados clichês midiáticos da cobertura das manifestações para compor o protagonista “Futebol” e a torcida brasileira nas ruas: o “Futebol” como uma figura encapuzada, vestida de preto e calçando coturno e a torcida representada através de uma composição visual ambígua que em alguns planos de câmera parece se assemelhar a manifestantes. O que significaria essa coincidência? Intertextualidade? Ressignificação de signos negativos em imagens positivas tal como no vídeo do ano passado? Um ato falho da criação publicitária? Ou mais uma deliberada “bomba semiótica” para reforçar o pesado ambiente político?

Nosso leitor Francisco Freire se diz intrigado com o novo comercial da Brahma intitulado “Eu Sou O Futebol”, alusivo à Copa do Mundo no Brasil nesse ano. Ele suspeita que  haveria algo de muito errado nesse filme: uma figura protagonista encapuzada, de coturno carregando uma mala preta representando o futebol.

Instigado por esse estranhamento demonstrado pelo nosso leitor, vamos analisar essa peça publicitária e submetê-la uma análise semiótica: será que o comercial da Brahma poderia ser mais uma bomba semiótica? E, o que seria surpreendente, dentro do campo publicitário?!

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Filme "Trabalhar Cansa" disseca as superstições da classe média

O filme brasileiro “Trabalhar Cansa” (2011) a princípio confunde o espectador: É terror? Drama social? Realismo fantástico? A sensação de estranhamento a que são submetidos tanto espectadores quanto os protagonistas Otávio e Helena ajuda formar um tragicômico quadro dos pesadelos das classes médias. Ele, um homem de meia idade desempregado enquanto ela se apega ao ideário do empreendedorismo abrindo um pequeno mercado de bairro. De um lado Otávio se submete ao irracionalismo da religião autoajuda para suportar a realidade da precarização do trabalho; e do outro, Helena tenta compreender fenômenos supostamente sobrenaturais no seu mercadinho onde ao mesmo tempo crescem tensões trabalhistas. Dois instantâneos de uma classe social ao mesmo tempo agarrada no racionalismo da meritocracia e na irracionalidade da autoajuda, magia e astrologia. Na verdade, os dois lados de uma mesma moeda.

Na sua pesquisa sobre a coluna de astrologia do jornal Los Angeles Times em 1952, o pensador Theodor Adorno (principal membro da chamada Escola de Frankfurt) chegou à conclusão de que as previsões que as estrelas faziam para cada signo do zodíaco nada tinham a ver com o Oculto. Para Adorno, a astrologia de massas se tratava de uma “superstição secundária”: o oculto deixa de ser “o estranho” para se tornar institucionalizado, objetivado e amplamente socializado – Leia ADORNO, Theodor. As Estrelas Descem à Terra, São Paulo: Editora Unesp, 2007.

Mais ainda: a busca da felicidade por meio da “supertição secundária” não seria uma irracionalidade que operaria numa esfera exterior à Razão – ilusão, viciosidade, dependência emocional etc. Pelo contrário, ela resultaria dos próprios processos racionais do cotidiano das pessoas: o trabalho, competição, ascensão social, busca pelo mérito, sobrevivência material e sucesso financeiro.

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Crianças chiliquentas e pais frágeis no documentário "Crianças Consumidoras"

A cada ano desenvolve-se uma nova ciência do consumo que turbina um mercado cujos ganhos se equivalem a soma das economias de 115 países pobres: é a ciência do consumo infantil, uma verdadeira “blitzkrieg” contra as crianças através da mobilização de especialistas que vão de antropólogos e sociólogos a neurologistas e cientistas comportamentais. É o tema do documentário “Crianças Consumidoras – A Comercialização da Infância” (2008) que alerta: profundas mudanças no psiquismo infantil estão sendo feitas nesse momento com o desaparecimento da infância por meio do novo perfil etnográfico dos “tweens” (a fusão da infância na adolescência) e o reforço subliminar da “cultura da reclamação” (chiliques, birras etc.) para que crianças insistentes influenciem cada vez mais a decisão de consumo dos pais. E por trás de tudo isso, a manipulação da percepção infantil para que vejam seus pais como seres inseguros, indecisos e frágeis.

Uma indústria de 15 bilhões de dólares que trabalha dia e noite para minar a autoridade dos pais se exime de qualquer consequência social do consumismo infantil alegando que a única responsabilidade sobre o que as crianças comem e compram é a dos próprios pais. “Seria como se de repente o dono de uma grande frota de caminhões anunciasse que de agora em diante fosse trafegar por uma estrada cheia de crianças a 250 km/hora e dissesse: ‘pais, cuidado! É tarefa de vocês cuidarem para que seus filhos não se machuquem!’”, responde Enola Aird, fundadora e diretora do Motherhood Project.

Essa é uma das contundentes declarações de ativistas, pesquisadores e profissionais no documentário Crianças Consumidoras – A Comercialização da Infância (Consuming Kids – The Commercialization of Childhood, 2008), um olhar profundo na forma como as crianças são manipuladas e exploradas em cada detalhe dos seus cotidianos, para não só se tornarem futuras consumidoras mas, inclusive, influenciar nas próprias escolhas de consumo dos pais.

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A bomba semiótica do fusca em chamas

O bordão “Não tem arroz, não tem feijão, mas assim mesmo o Brasil é campeão” em 1962 e o atual “Não Vai Ter Copa” demonstram que as bombas semióticas são a principal arma de uma guerra psicológica. Se no passado a ação era feita através de cinedocumentários exibidos para as classes pobres por meio de projetores montados em chassis de caminhões abertos, agora é por meio de produção de eventos com alto rendimento midiático, causando impacto mesmo em manifestações com baixo número de "manifestantes". O caso mais recente foram as dramáticas imagens do fusca incendiando e uma família humilde sendo salva das chamas, em uma rara combinação do oportunismo, sincronicidades e significados ambíguos, elementos que são o pavio da detonação de uma típica bomba semiótica.

Em 1990 os telejornais de todo o planeta mostraram chocantes imagens do que ficaram conhecidas como “o ossário de Timisoara”, na Romênia: a descoberta de um ossário de quatro mil vítimas que, afirmavam os repórteres, eram vítimas da ditadura de Ceausescu. E outros milhares de corpos teriam sido dissolvidos em ácido. As imagens atrozes dos cadáveres alinhados sobre um lençol branco marcaram para sempre a derrubada do ditador na chamada Revolução Romena de 1989. Mais tarde descobriu-se que tudo tinha sido um cenário montado para cinegrafistas e fotógrafos: na verdade eram corpos de pobres desenterrados de um cemitério local e cedidos à TV.

É irônico que em uma sociedade tão cética como a nossa onde a máxima “eu só acredito vendo”, que esvaziou simbolicamente as mitologias e religiões ou até a própria existência de Deus, o olhar e as imagens sejam as principais fontes de enganos e manipulações.

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Em Observação: "O Destino de Júpiter" será um novo "Matrix"?

Com lançamento no Brasil aguardado para o segundo semestre desse ano, “O Destino de Júpiter” (Jupiter Ascending) não só representa o retorno dos irmãos Wachowski à mitologia gnóstica da trilogia Mtarix, mas a ambição de elevar essa mitologia do plano terrestre para o cósmico por meio de uma space opera. Assim como o personagem Neo era um entediado programador de computadores que descobria que por trás das camadas da realidade existia uma terrível conspiração contra a humanidade, Júpiter é uma entediada limpadora de banheiros que descobre que seu DNA possui uma assinatura especial que a conduzirá às estrelas. E lá descobrirá que o planeta Terra é uma pequena parte de uma gigantesca indústria cósmica.

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Transmissão ao vivo e o declínio da vida pública

As críticas do jurista Dalmo Dallari de que a experiência da transmissão ao vivo das sessões do Supremo Tribunal Federal foram nefastas por gerar “vedetismo e deslumbramento” entre os ministros, retirando a sobriedade das decisões, vai de encontro a um fantasma que assombra as ciências sociais: o declínio da vida pública, ameaçada pelas supostas “experiências imediatas” que as imagens transmitidas ao vivo ou em tempo real poderiam proporcionar. A ideologia de uma suposta “transparência” das decisões do Estado por meio das imagens televisivas seria a ponta do iceberg de um processo mais geral de crise esfera pública: se a vida pública foi o auge de um processo civilizatório onde graças as mediações (papéis sociais e a cultura do escrito e do impresso) não sobrecarregaríamos o outro com o eu de alguém, agora numa suposta sociedade onde as imagens se confundem com informação seríamos sufocados pela tirania da intimidade alheia.

Certa vez o comentarista político Robert Lincoln O’Brien fez uma curiosa observação em 1904 na revista Atlantic Monthly: “Não é raro nas cabines de datilografia do Capitólio, em Washington, ver congressistas ditando cartas e gesticulando vigorosamente, como se os métodos retóricos de persuasão  pudessem ser transmitidos para a página impressa”. Atento observador da vida política norte-americana, O’Brien testemunhou nessa insólita passagem o choque de dois imaginários ligados a duas mídias distintas: a tradição da escrita e do impresso de um lado e a obsessão pela impressão cênica que a fotografia e o cinema reforçaram na vida pública.

As críticas do jurista Dalmo Dallari (clique aqui para ler), aproximando a experiência da transmissão ao vivo televisiva das sessões do Supremo Tribunal Federal com o “vedetismo e deslumbramento” dos seus integrantes que prejudicariam a “impessoalidade e serenidade das decisões”, foram na jugular dessa questão que assombra muitos estudiosos das ciências sociais: a vida pública, estrutura de sociabilidade onde a escrita e o impresso ajudaram a solidificá-la, estaria ameaçada com as experiências imediatas (o “ao vivo” ou “em tempo real”) proporcionadas pelas imagens audiovisuais e eletrônicas.

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Os "rolezinhos" são um Cavalo de Tróia?

Sintoma do apartheid social? Flash mob da periferia? Movimento consciente de protesto? Movimento político? Luta de classes? Repique das grandes manifestações de Junho? A maioria das abordagens sobre o fenômeno dos rolezinhos parece se esquecer de um importante detalhe: são eventos feitos para a mídia, divulgados pela mídia e repercutidos pela mídia. Antes de ser um sintoma sociológico ou econômico, é um evento midiatizado. Por isso se aplicaria nessa discussão o clássico enigma pragmático dos estudos de comunicação: quem comunica o que, para quem e com qual efeito. Em outras palavras, para além do fenômeno sociológico ou econômico, há o semiótico cuja análise traz uma importante suspeita, a de que os rolezinhos teriam se tornando para a grande mídia um autêntico cavalo de Tróia, uma nova modalidade de bomba semiótica na atual guerrilha linguística que se trava no contínuo midiático pela conquista da opinião pública.

Certa vez o professor de filosofia Boris Groys fez em 2001 uma profética advertência às ciências sociais como a Economia e a Sociologia: “Sem prejuízo do que todas essas veneráveis ciências são capazes, incorrem elas num erro fundamental. Não consideram a possibilidade de que a própria realidade, inclusive toda a sociologia, a ciência econômica etc., possa ser um filme mal produzido.” - veja GROYS, Boris. "Deuses Escravizados: a guinada metafísica de Hollywood". Groys não se referia apenas ao súbito interesse metafísico de Hollywood através de filmes como Show de Truman ou Matrix. Mais do que isso, lançava uma suspeita de que Hollywood já expressava o fato de que a própria realidade estaria se transformando em um filme. E, o que é pior, mal produzido.

Para Groys o “erro fundamental” seria o fato dessas ciências não perceberem que os seus “objetos” (o “econômico”, o “sociológico” etc.) estariam sendo assumidos ou simulados em ambientes altamente midiatizados pelas tecnologias de comunicação e informação. Em palavras diretas: os fenômenos econômicos e sociológicos seriam antes de tudo fenômenos midiáticos nas suas diversas modalidades: efeitos virais, profecias auto-realizáveis, paradoxos quânticos (o olhar tecnológico da mídia altera o próprio objeto que está sendo observado) etc.

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Carma e atração gravitacional no filme "Gravidade"

Desde “2001: Uma Odisséia no Espaço”, nunca um filme como “Gravidade” (2013) do mexicano Alfonso Cuarón, conseguiu representar tão bem a vastidão do espaço e seu vazio obliterante. Indicado ao Oscar de filme, direção, atriz entre outras categorias técnicas, o filme é elogiado pela crítica pela narrativa direta, crua e de grande verossimilhança científica, diferente dos blockbusters recentes, sempre envolvidos em complexas mitologias. Porém, por trás das alucinantes sequências de destruição por detritos espaciais que obrigam a abortar a missão de reparos no telescópio Hubble, há um poderoso núcleo místico-religioso que o próprio diretor admite em entrevistas: morte e renascimento. Mas o filme vai mais além, ao simbolicamente aproximar a lei da gravidade (o mais importante personagem do filme) com a Lei do Carma, atração gravitacional com a reencarnação.

Você está solto no espaço a 375 milhas acima da Terra, o oxigênio está se esgotando, a comunicação foi perdida, uma nuvem de restos catastróficos de satélites está voando na sua direção a 32 mil km/h e não há nenhuma esperança de resgate. O que você faz? O filme Gravidade dirigido pelo mexicano Alfonso Cuarón vai direto ao assunto: sem introduções ou apresentações dos personagens, apenas uma legenda inicial que nos informa que a vida no espaço é impossível. Corta para o exterior onde sempre é noite, a não ser pela enorme nimbus azul-cinza da curvatura da Terra, uma presença constante que representa a força literal da nossa casa: a atração gravitacional, o grande inimigo e ao mesmo tempo aliado com o qual os astronautas terão que lidar para sobreviver.

Uma equipe da NASA está em um passeio espacial de rotina fazendo reparos e atualizando o sistema de computadores do telescópio Hubble. A engenheira Dra Ryan Stone (Sandra Bullock) é a especialista da missão responsável pelos reparos no telescópio enquanto Matt Kowalski (George Clooney) é o experiente líder em sua última missão antes da aposentadoria, coordenando os trabalhos e voando em torno do ônibus espacial. Até que o inesperado acontece: do outro lado do planeta um míssil russo destrói acidentalmente um satélite cujos destroços produz uma reação em cadeia de destruições de outros satélites, criando uma mortal nuvem de destroços.

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O misterioso simbolismo de Kubrick em "De Olhos Bem Fechados"

Um mundo tenso e dividido entre as fantasias privadas e a realidade da rotina conjugal, entre o mundo brega das decorações natalinas e de pessoas carentes tagarelando incessantemente e o mundo do silêncio e imobilidade de uma poderosa e secreta elite. Esse foi o legado e síntese da visão de mundo de Stanley Kubrick no seu último filme “De Olhos Bem Fechados”, o mais esperado e controverso filme da década de 1990. Meticulosamente filmado (a maioria das cenas exigiram inumeráveis takes fazendo o filme entrar no Guinness World Records como a mais longa produção cinematográfica) a adaptação do livro “Dream Story” de Arthur Schnitzler resultou em uma complexa narrativa onde Kubrick compôs cuidadosamente cada plano com vários símbolos, alusões e paradoxos: da “Wonderland” de Lewis Carroll a magia ocultista de Aleister Crowley.

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Por que a mídia está tão obcecada pelos tomates?

Dentre os vários itens que supostamente teriam elevado os índices inflacionários, por que a mídia escolheu como vilão o tomate? Quando tudo perecia ter sido esquecido, eis que portais da Internet no final do ano passado localizaram supostos ataques pontuais em regiões isoladas e, no início desse ano, telejornais reavivam a memória e até, timidamente, tentam um revival dos tomates inflacionários . Por que essa obsessão pelos tomates? Por que não o pão, o leite ou os vestuários? Por trás dessa escolha aparentemente arbitrária e sua recorrência midiática, o tomate revela um antigo simbolismo cultural. Uma área vasta, riquíssima e interdisciplinar, envolvendo antropologia, semiótica da cultura e sincromisticismo. Ou seja, o tomate oferece um material imaginário altamente inflamável. Mais uma bomba semiótica.

Os tomates atacam mais uma vez. Depois do primeiro semestre do ano passado onde o vegetal (ou seria fruto?) ter sido considerado o vilão por puxar os números da inflação para o alto, eis que a grande mídia vem tentando ressuscitá-lo. Em dezembro, portais da Internet como o G1 começaram a noticiar altas de preços localizadas, como em São José do Rio Preto (SP) onde o tomate, acompanhado do pão francês e vestuário, teriam elevado os preços, segundo pesquisas de faculdades locais.

No início desse ano, o Jornal Nacional fez uma breve retrospectiva do “descontrole da inflação” do ano passado, dando um especial destaque ao tomate. Pouco dias depois, no telejornal SPTV, a jornalista Ananda Apple, no quadro Cozinha Popular onde exibe receitas cujos ingredientes são pesquisados em feiras livres procurando os produtos mais em conta, novamente fala do aumento do tomate. Claro, sem a mesma veemência do ano passado, onde até um apresentadora de programa feminino matinal apareceu com um colar de tomates ao lado de um papagaio que lamentava os destinos do bolso dos seres humanos desse País.

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A bomba semiótica da inadimplência

Em 1999 o colunista José Simão bradava em pleno feriado de 7 de setembro: “Inadimplência ou Morte!”. Mas na época a grande mídia fazia vistas grossas à quebradeira de consumidores e empresas na ressaca do Plano Real. Ao contrário, hoje uma suposta onda de inadimplência se converteu numa agenda midiática obsessivamente repercutida a cada imagem aérea mostrada pela TV da Rua 25 de Março lotada de consumidores: uma combinação resultante de uma suposta inflação descontrolada, crédito fácil, juros baixos e falta de educação financeira da população. Combinado com a pauta do “consumo consciente” e “crédito responsável”, o discurso da inadimplência acaba de se transformar na mais recente bomba semiótica. As explosões dessa nova bomba pretendem criar uma percepção de temor e desconfiança que freie o consumo e favoreça a Banca que organiza o jogo econômico.

Fazia uma pesquisa no acervo digital do Jornal Folha de São Paulo para futura postagem (o filme de Kubrick De Olhos Bem Fechados – procurava resenhas sobre o filme na época do lançamento em 1999) e, sem querer, dei de cara com um texto de José Simão intitulado “Inadimplência ou Morte”, texto do dia 07 de setembro daquele ano, feriado da independência nacional. Em um texto impagável, Simão declarava-se “deprecívico” e naquele feriado cívico não haveria parada militar, porque a pátria estava “parada”.

De forma mordaz, José Simão refletia um momento em que o País estava quebrado, jogado aos pés do Fundo Monetário Internacional após a maxidesvalorização do real um ano antes, logo depois da reeleição de Fernando Henrique Cardoso. A taxa Selic era elevadíssima, mais de 30% ao ano, e com inflação anual de 8,94%. Na prática, a desvalorização do real comeu parte da poupança e dos salários.

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Misteriosas conexões da mitologia da estrela Sirius no Cinema e na Música

De “Show de Truman” ao filme “Número 23”, do álbum “Diamond Dogs” de David Bowie a série “Harry Potter”, podemos encontrar uma recorrência sincromística: a misteriosa conexão desses produtos de entretenimento com a mitologia que envolve a estrela Sirius da constelação do Cão Maior, presente nas mais variadas culturas e civilizações desde a antiguidade. Passando pela escola dos mistérios do antigo Egito, a mitologias da tribo dos Dogons de Mali, na Teosofia de Madame Blavatsky, sociedades secretas como a Maçonaria ou na antiguidade grega, percebe-se ela é dotada de um simbolismo ambíguo, seja como a estrela que ilumina o mundo espiritual ou que aponta para maus presságios, e tempos de calor e loucura – “dias de cão”. Na bandeira nacional, Sirius representa o estado do Mato Grosso - pauta sugerida pelo nosso leitor Ricardo no seu comentário sobre nossa postagem sobre o filme "Show de Truman".

No mundo estranhamente previsível e conformista do filme Show de Truman (The Truman Show, 1998), Truman sai de casa para mais um dia de trabalho, com um sorriso publicitário estampado em seu rosto. De repente um evento inesperado: algo cai do céu totalmente azul e se espatifa no chão, quase o atingindo. Ele pega o objeto e repara que é um spot de luz. Sobre ele, uma etiqueta onde se lê: “Sirius (9 canis major)”. O acontecimento é importante na narrativa do filme porque, a partir da inexplicável queda do spot com o nome de uma estrela do firmamento, Truman começará a questionar sua própria realidade.

Mas há algo mais: o fato de o roteirista ter atribuído a esse importante objeto da trama do filme o nome da estrela Sirius – localizada na constelação de Cão Maior, também conhecida como “big dog” e, por isso, chamada também como “estrela do cão”. Sirius é a estrela mais brilhante do céu e desde tempos imemoriais tem sido reverenciada por diferentes culturas e civilizações.

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