'Rosebush Pruning': por que a obsessão "rich exploitation" no século XXI?

O desdém pelas elites econômicas deixou de ser mero pano de fundo para se tornar a grande obsessão do cinema do século XXI. Do choque brutal de Parasita à sátira estéril de "Rosebush Pruning" (2026), o subgênero da "rich exploitation" substituiu o glamour aspiracional do passado pela estetização da podridão moral, entregando às massas a catarse de ver super ricos devorados por suas próprias perversões. Quatro irmãos herdeiros vivem isolados em uma luxuosa e claustrofóbica vida junto com o patriarca cego. Graças à herança monumental, nenhum deles precisa trabalhar, o que os relega a uma existência parasitária centrada em aparências, grifes de luxo e uma dinâmica de codependência sufocante. Mas há um ardil ideológico nesse subgênero: ao reduzir o colapso socioeconômico à mesquinharia moral e à estupidez de bilionários caricatos, Hollywood converte a raiva popular em entretenimento inócuo para proteger a própria arquitetura do capital financeiro.

Leia + »

Somos todos primatas digitais em 'Aaaaaaaah!'

O ser humano não é um animal racional; é um animal racionalizante que usa a tecnologia high-tech apenas para adornar seus impulsos mais primitivos. É partindo dessa premissa freudiana que o cineasta britânico Steve Oram concebeu “Aaaaaaaah!” (2015), uma das obras mais perturbadoras, bizarras e subversivas do cinema independente britânico recente. Uma sátira social onde subúrbios modernos e videogames convivem com sociedades estritamente regida por hierarquias de primatas, disputas de território e grunhidos de ódio. De alguma maneira, diante de nossos consoles de videogames e telas de celulares, regredimos aos impulsos mais primitivos. O resultado é um raio-X macabro e profético da nossa era digital e política.

Desde que o vocalista Greg Lake deixou a banda de rock progressivo King Crimson para fazer parte do Emerson, Lake and Palmer (EL&P), em 1970, o líder e guitarrista da banda, Robert Fripp, deu uma série de entrevistas e escreveu artigos atacando a decisão do cantor.

Durante quase a metade da década de 1970, Fripp insistia em dizer que o EL&P fazia parte de um mundo tecnológico de computadores, sintetizadores e eletrônica. Fripp insistia em dizer que, pelo contrário, o mundo do futuro era o da “flauta de bambu”.

Certamente, o diretor e roteirista britânico Steve Oram deve ter se lembrado dessa visão distópica do futuro de Robert Fripp para convidá-lo a fazer parte do filme Aaaaaaaah! (2015), uma das obras mais perturbadoras, bizarras e subversivas do cinema independente britânico recente. Uma sátira sombria e experimental.

Fripp colocou à disposição da produção da trilha vários arranjos do “The ProjeKts” (uma sucessão de músicas de grupos spin-offs do King Crimson, do início desse século). Que termina com uma versão em xilofone do monumental hino do rock progressivo “21th Century Schizoid Man” - a letra da música descreve um cenário distópico de poluição, guerras, políticos corruptos e desumanização. Ela sintetiza a figura do homem esquizofrênico do século XXI: aquele que domina a alta tecnologia científica, mas cuja alma continua aprisionada em um estado de selvageria atroz.

Uma escolha musical para o encerramento do filme que é um golpe de mestre conceitual.

A história de Aaaaaaaah! se passa em um mundo moderno e familiar — com casas, ruas, TV e tecnologia atuais —, mas com uma única e chocante alteração: todos os seres humanos agem, pensam e se comunicam inteiramente como primatas e neandertais.

Não há diálogos reais: os personagens se expressam através de gritos, uivos, gestos, rosnados e linguagem corporal.

A narrativa acompanha disputas de território, hierarquias de "machos alfa", rituais de acasalamento e dinâmicas familiares urbanas vistas sob uma ótica crua e animalesca.

O ponto forte de Aaaaaaaah! é o empenho físico do elenco (que inclui o próprio diretor Steve Oram, Julian Rhind-Tutt, Tom Meeten e Toyah Willcox) impressionante por manter a seriedade do conceito sem cair no riso fácil o tempo todo. Ele usa o absurdo para fazer uma crítica ácida e desconfortável aos rituais de gênero, violência e poder da sociedade "civilizada".

Lembrando uma ideia freudiana bem provocativa: é errado considerar o homem como um ser racional. Na verdade o homem seria um animal racionalizante. O homem não é um ser que, através da lógica, da evidência e da análise crítica avalia a realidade e toma decisões. Pelo contrário, nossos atos são basicamente motivados por impulsos inconscientes e primitivos. Posteriormente fabricamos justificativas pseudológicas para nos convencer de que fomos totalmente coerentes, “racionais”.

Aaaaaaaaah! imagina uma sociedade sem racionalizações hipócritas. Por algum motivo, a sociedade “regrediu” ao estado primata. Ou simplesmente se cansou de álibis para justificar impulsos animalescos.

E resolveu assumir de vez o estado regressivo.

O Filme

O filme se passa em um subúrbio britânico cinzento e banal. A premissa central acompanha Smith (Steve Oram) e seu capacho/subordinado Keith (Tom Meeten), que chegam a uma nova vizinhança com o objetivo claro de usurpar o poder do "macho alfa" local, Ryan (Julian Rhind-Tutt).

A convivência doméstica mimetiza a rotina moderna — as pessoas assistem TV, cozinham, usam micro-ondas e jogam videogames —, mas tudo é subvertido por comportamentos animalescos: eles urinam nos eletrodomésticos para marcar território, disputam comida com violência física brutal, trocam olhares de intimidação e se limpam por meio de catação de piolhos e gestos de submissão.

Smith articula sua invasão social aproximando-se da fêmea dominante da casa rival, Barbara (Toyah Willcox), enquanto o antigo alfa Ryan resiste violentamente. Ao longo da trama, vemos subtramas degradantes, como a de Og, um pária humilhado nas ruas que desconta seus instintos em crueldades mesquinhas.

Há uma ironia fundamental na premissa do filme: embora os personagens usem consoles de videogame, assistam a telas e vivam em casas modernas, a tecnologia em Aaaaaaaah! não serve para elevar o intelecto humano; ela é apenas um adereço oco dentro de uma jaula.

O filme capturou com precisão cirúrgica o zeitgeist da era digital: a ilusão de que o hiperdesenvolvimento tecnológico nos tornou mais civilizados, quando, na verdade, facilitou uma regressão tribal coletiva.

O comportamento dos personagens espelha diretamente a dinâmica das redes sociais modernas — a busca obsessiva por validação do "grupo", o cancelamento sumário, o linchamento virtual guiado por manada e a polarização onde o contraditório é respondido apenas com gritos, emojis agressivos e urros de ódio (grunhidos digitais).

Na internet, abandonamos a retórica complexa em troca de reflexos viscerais de aprovação ou repulsa. O filme satiriza essa condição ao mostrar que, por baixo da fina película de verniz da nossa civilização digitalizada, habita um macaco raivoso faminto por poder e hierarquia instantânea.

Aaaaaaaah! foi profético

Produzido e lançado pouco antes do referendo do Brexit em 2016, Aaaaaaaah! funciona como uma alegoria sombria e involuntariamente profética da psique nacional britânica que culminaria na saída da União Europeia e no fortalecimento do populismo de extrema-direita.

A premissa do Brexit em proteger o "território" a qualquer custo, a desconfiança paranoica em relação aos estranhos que entram no bairro e a hostilidade visceral contra o "outro" são os pilares da narrativa do filme. É o retrato cru do nativismo político levado ao seu absurdo biológico.

A política da extrema-direita contemporânea alimenta-se do apelo à força bruta, à testosterona performática, à rejeição de consensos democráticos e à promessa de restaurar uma suposta "glória perdida" através da subjugação do adversário.

A luta de Smith para destronar Ryan e impor sua lei marcial doméstica antecipa a retórica política baseada em "homens fortes", nacionalismos paroquiais e o descarte de instituições civilizatórias em favor de impulsos primitivos.

Em síntese: Steve Oram propõe um experimento sociológico e estético radical: um mundo contemporâneo onde os seres humanos caminham erguidos e usam tecnologia, mas retiram completamente a fala articulada, agindo rigorosamente como primatas (chimpanzés e gorilas).

 

 

 

 

 

 

Ficha Técnica

Título: Aaaaaaaah!

Diretor: Steve Oram

Roteiro: Steve Oram

Elenco: Steve Oram, Tom Meeten, Julian Rhind-Tutt, Toya Willcox, Lucy Velik

Produção: Boum Productions, Rook Films

Distribuição: Monster Pictures

Ano: 2015

País:  Reino Unido

 

Postagens Relacionadas

A lógica publicitária do "Papai Noel" no filme "Gente Louca"

"Aurora" supera "A Origem" e inova as representações do inconsciente no cinema

Em 'Night's End' o sonho da Razão produz monstros

Em "Brexit" as ligações perigosas entre ficção e realidade

 

 

 

Leia + »

Pós-meritocracia e luta de classes em 'Manual Prático de Vingança Corporativa'

Em um mundo onde trabalhar duro não garante ascensão social e os novos bilionários acumulam fortunas por herança e não por mérito, a juventude se depara com a era da "pós-meritocracia": quando as regras do jogo estão viciadas, o sucesso passa a exigir audácia, risco e a quebra de limites morais. É exatamente nessa ferida da luta de classes do século XXI que o diretor John Patton Ford toca em “Manual Prático de Vingança Lucrativa” (How to Make a Killing, 2026, disponível na Prime Video). Ao cruzar a estrutura dos contos morais de Charles Dickens com a célebre máxima de Balzac — de que toda grande fortuna esconde um crime —, o filme transforma a linha de sucessão de uma dinastia bilionária em um hilário e sangrento plano de otimização corporativa: cortar os galhos da árvore genealógica da Dinastia.

Leia + »

'A Última Fagulha de Esperança': quando puxar o fio da tomada da IA vira questão de sobrevivência

Seja no uso do ChatGPT para desabafos emocionais ou no bloqueio acidental de um sistema de segurança como o BitLocker em seu notebook, o ser humano contemporâneo vive cercado pela ilusão de controle tecnológico — até que a lógica matemática e binária da máquina falhe, e a única saída seja puxar o fio da tomada. O problema é quando essa alternativa deixa de ser possível e o reset vira uma questão literal de sobrevivência. É a premissa sufocante do filme polonês “A Última Fagulha de Esperança” (W nich cała nadzieja, 2023), onde a última humana na face da Terra se torna refém da programação binária do robô criado para protegê-la, ilustrando a ironia trágica de sermos trancados do lado de fora da nossa própria existência pelos algoritmos que criamos.

Leia + »

Televendas é a televisão brutalmente honesta em 'Up The Catalogue'

Se a televisão tradicional é um sanduíche onde o entretenimento é o pão e a publicidade é o recheio, o que acontece quando decidimos servir apenas o recheio, puro e sem disfarces? Ao resgatar o conceito de “Grau Zero” de Roland Barthes — uma escrita despojada de ornamentos e puramente funcional —, descobrimos que os canais de televendas não são uma degeneração do meio, mas sua verdade mais honesta. É sob essa premissa de honestidade brutal que o filme "Up The Catalogue" (2024) mergulha em uma mescla de comédia sombria e sci-fi distópico, transformando o ato de vender em uma prisão existencial onde a apresentadora Hailey Cartin se torna o combustível humano de uma engrenagem que nunca desliga. Um estúdio de TV que é, ao mesmo tempo, um labirinto infinito, uma anomalia em loop tempo-espaço, e uma sentença de prisão.

Leia + »

O descompasso entre o psiquismo arcaico e a realidade sempre mutante em 'Sol Ardente'

Entre o sol implacável da Grécia e a privatização invisível da água pela corporação Goldblue, o filme “Sol Ardente” (2015, disponível na Prime Video) dá corpo a uma tese perturbadora do psiquiatra radical Wilhelm Reich: a de que, enquanto a infraestrutura econômica e técnica avança para controles absolutos, o imaginário social regride ao preconceito arcaico. Ao acompanhar o isolamento de um imigrante em meio a uma crise hídrica e ao assédio policial, a diretora libanesa Joyce A. Nashawati revela como a xenofobia atua como uma "bomba semiótica" e válvula de escape para um colapso sistêmico que a sociedade moderna, ancorada em valores reacionários, ainda é incapaz de decifrar ou enfrentar.

Leia + »

Os fantasmas do cinema: metalinguagem, Inteligência Artificial e cultura do cancelamento

Do pneu assassino com poderes telepáticos em Rubber (2010) à implosão completa da quarta parede em O Segundo Ato (Le Deuxième Acte, 2025), o diretor francês Quentin Dupieux permanece o mestre absoluto do "no reason". Em seu novo longa, o cineasta leva sua obsessão pela metalinguagem ao ápice, transformando o set de filmagem em uma "boneca russa" narrativa. Através de um jogo constante de "filme dentro do filme", o diretor utiliza o ego dos grandes astros franceses e a frieza da Inteligência Artificial para criar uma sátira mordaz sobre o vazio das narrativas contemporâneas. Ao colocar estrelas como Léa Seydoux e Louis Garrel para interpretar versões satirizadas de si mesmos, Dupieux não apenas questiona a verossimilhança do cinema, mas confronta a indústria com seus novos fantasmas: da ditadura dos algoritmos de IA à cultura do cancelamento das redes sociais.

Leia + »

'Você é o Universo': no século XXI, o cosmos vira cenário da angústia existencial

Se no auge da Guerra Fria o espaço era o território da conquista e do triunfo da engenhosidade humana, o cinema do século XXI parece ter transformado o cosmos no cenário definitivo da angústia existencial. Entre o vazio do Universo infinito e a liberdade aterradora do indivíduo finito descrita pelo filósofo Kierkegaard, surge o filme ucraniano “Você é o Universo” (Ty – Kosmos, 2024). Mais do que uma ficção científica de baixo orçamento, a obra de Pavlo Ostrikov utiliza a explosão literal da Terra para espelhar as cicatrizes reais de uma Ucrânia em guerra e a solidão hiperconectada da era pós-pandêmica, provando que a busca pelo 'outro' é a única bússola possível diante do abismo.

Leia + »

Somos todos punks e alienígenas em 'Como Falar com Garotas em Festas'

Se em Quase Todo Mundo Morto (Shawn of Dead, 2004) a piada era a indiferença britânica que confundia zumbis com bêbados, em Como Falar com Garotas em Festas (How to Talk to Girls at Parties, 2017, disponível na Prime Video) essa "bizarra normalidade" ganha contornos cósmicos. Ao ambientar o encontro entre o movimento punk de 1977 e turistas intergalácticos no subúrbio de Croydon, o diretor John Cameron Mitchell transforma o desencontro adolescente em uma metáfora existencial. Mais do que uma comédia de ficção científica, o filme disseca a figura existencial gnóstica do "Estrangeiro" e a barreira intransponível da incomunicabilidade entre gêneros, revelando que, no vácuo entre o punk e o alienígena, a verdadeira distância galáctica está na dificuldade humana de se conectar.

Leia + »

Uma "necrospectiva" de Natal em 'A Última Noite'

O que acontece quando o 'bom velhinho' é substituído por uma nuvem tóxica e a ceia de Natal se torna a última refeição da humanidade? Em “A Última Noite” (Silent Night, 2021, disponível na Prime Video), a diretora Camille Griffin captura a essência da 'necrospectiva' de Jean Baudrillard — a liquidação do futuro em tempo real. Analisamos como esta obra transita entre o humor ácido e o horror existencial, revelando um século XXI onde a resistência racionalista de uma criança é o único contraponto ao desejo suicida de adultos conformados. Uma contagem regressiva para o inevitável. Entre o niilismo burguês e a ansiedade ecológica, o filme “A Última Noite” subverte a tradicional comédia natalina para encenar o colapso civilizacional. Enquanto adultos brindam à espera de uma nuvem tóxica que dizimará a humanidade, com um estoicismo burguês mantendo as aparências. Um espelho incômodo de um tempo que o futuro em bomba-relógio e a passividade em protocolo de sobrevivência. 

Leia + »

Encenação, angústia e a dor escandinava em 'Valor Sentimental'

Da angústia metafísica de Søren Kierkegaard na filosofia, passando pela angústia ateia do cinema de Ingmar Bergman, chegando ao niilismo visceral de Lars von Trier, a "dor escandinava" atravessou o século XX esculpindo o vazio da alma nas telas. Agora, em “Valor Sentimental” (2025), Joachim Trier atualiza esse legado para a era da hiperconectividade: se outrora o sofrimento nascia do silêncio de Deus em Ingmar Bergman, hoje ele reside na impossibilidade de sermos autênticos fora de cena. Entre o simulacro do lar e a performance do trauma, Trier consolida-se como o herdeiro contemporâneo da tradição nórdica, sugerindo que, no século XXI, a encenação é o único território onde ainda conseguimos, enfim, nos comunicar. 

Leia + »

Escapismo + tecnologia é a tempestade perfeita para os millennials em 'Daniela Forever'

Do misticismo ancestral à terapia moderna, o sonho lúcido sempre representou uma fronteira de autoconhecimento e liberdade onírica. Contudo, sob a lente do século XXI, essa prática colide com uma "tempestade perfeita": a fusão entre o novo ecossistema digital imersivo e a ansiedade crônica da geração millennial. É neste zeitgeist de escapismo tecnológico que a ficção científica "Daniela Forever" (2024) se instala. Ao narrar a busca de um homem que tenta "reprogramar" o luto através de sonhos induzidos, o filme de Nacho Vigalondo expõe o drama de uma geração que, diante da instabilidade e da dor, prefere se refugiar no solipsismo de uma fantasia controlável em alta definição a encarar a "baixa resolução" e a imperfeição da vida real.

Leia + »

Quando o menino Jesus se transforma num pesadelo de horror em 'Sombras no Deserto'

Imagine que Jesus, na infância, não era um modelo de virtude, mas sim uma divindade sombria, volátil e incontrolável. Uma criança, dotada de poderes ilimitados, mas desprovida de empatia e misericórdia, usando seus dons para punir, matar e ressuscitar colegas em acessos de raiva infantil, transformando sua família em refém. Essa é a aterrorizante premissa do Evangelho Apócrifo da Infância de Tomé, o texto herético do século II que foi intencionalmente excluído da Bíblia canônica por apresentar um Jesus radicalmente diferente — um que precisava "amadurecer" para ser bom. Agora, o filme "Sombras no Deserto” (The Carpenter’s Son,2025), baseado nesse relato proibido, resgata essa lacuna histórica. A obra transforma a crônica apócrifa em um intenso thriller de horror psicológico, precisam se esconder em um exílio desesperado, tentando, a todo custo, humanizar e "calibrar" os poderes destrutivos do filho divino. O filme expõe a natureza gnóstica e aterrorizante do poder divino quando encontra a fragilidade humana.

Leia + »

O dilema Lei vs. Moral da Justiça no fim do mundo em 'Kontinental '25'

Depois de explorar o apocalipse silencioso da precarização do trabalho em Não Espere Muito do Fim do Mundo (2023), o diretor romeno Radu Jude retorna ao tema em sua nova comédia de humor negro, Kontinental ’25 (2025). Desta vez, a sátira foca na normalização da gentrificação e da desigualdade na Romênia pós-socialista, acompanhando a crise moral de Orsolya, uma oficial de justiça que testemunha o suicídio de um homem durante uma ação de despejo que ela própria executava. O incidente lança a protagonista numa espiral de culpa, forçando-a a confrontar sua cumplicidade em um sistema difuso e sem rosto, fundado no dilema entre Lei e Moralidade.

Leia + »

Já faz muito tempo que é o fim do mundo em 'Sirât'

“Já faz muito tempo que o mundo está acabando”, diz um personagem no filme “Sirât” (2025, Prêmio do Juri em Cannes e indicado pela Espanha ao Oscar de Filme Estrangeiro), de Oliver Laxer e produzido por Almodóvar, que transforma raves e desertos em uma travessia do fim: “Sirât” acompanha uma caravana de corpos e veículos pelo Marrocos em busca de uma última festa — e, talvez, de algo que ainda pareça futuro. Entre batidas eletrônicas, paisagens em Super 16 mm e notícias de uma guerra indeterminada no rádio, o road movie se desloca da aventura para uma meditação lenta sobre morte, perda e luto, onde a rave vira rito coletivo e o deserto, uma catedral vazia do século XXI. No centro da jornada, um pai e um filho procuram a filha desaparecida; ao redor, uma comunidade improvisada tenta dançar enquanto a ponte para o inferno se estreita.

Leia + »

O hotel como um microcosmo kafkiano e gnóstico em 'Mr. K'

 

Desde o Bates Motel do vilão Norman bates no filme "Psicose" de Hitchcock, os hotéis renderam uma longa filmografia do terror ao drama e humor negro – lugares misteriosos, decadentes, habitado por fantasmas, assassinos, golpistas etc. Isso porque os hotéis parecem espaços inerentemente estranhos: um lugar que podemos chamar de lar por um tempo limitado. Mas, mesmo assim, compartilhamos nossa experiência com pessoas que nunca conheceremos. “Mr. K” (2024, disponível na Apple TV), produção europeia dirigida por Talluah Hazekamp Schwab, dá continuidade a esse imaginário com uma interessante combinação entre referências literárias a Kafka e a antiga mitologia gnóstica. A jornada labiríntica e surreal de seu protagonista, um mágico aprisionado em um hotel bizarro e inescapável, serve como uma poderosa alegoria gnóstica. Através de sua atmosfera kafkiana e de seus temas de aprisionamento, busca por conhecimento e a natureza ilusória da realidade, o filme espelha os princípios fundamentais do Gnosticismo.

Leia + »

A distopia de um processo seletivo parental em 'A Avaliação'

 

As mudanças climáticas e pandemia destruíram a maior parte do planeta. E tudo foi colocado na conta da explosão populacional. O que restou da sociedade foi completamente controlado. Principalmente a reprodução humana, sob o controle direto de um Estado totalitário que otimiza a vida, incluindo avaliações de paternidade. Em "A Avaliação" (Assessment, 2025, disponível na Prime Video) um casal bem-sucedido é examinado por uma avaliadora durante sete dias para determinar sua aptidão para ter filhos gerados em fetos artificiais. Uma espécie de “processo seletivo” que parece ter evoluído em algo análogo aos processos seletivos atuais: não se trata mais de avaliar a proficiência, mas as chamadas “competências emocionais” que parecem muito mais ocultar algum ardil ou objetivo secreto. De simples entrevistas, transformam-se em verdadeiro reality shows, com “pegadinhas” para arrancar algum tipo de reação emocional que se volte contra o candidato.

Leia + »

Morte, carma e culpa na família atual em 'Hallow Road - Caminho Sem Volta'

Dois pais entram em uma corrida contra o relógio quando recebem um telefonema angustiante de sua filha tarde da noite depois que ela causou um trágico acidente de carro. Quase todo o filme se passa no interior do carro em tempo real, com os pais desesperados tentando manter contato telefônico com a filha, enquanto a tela do Waze vai dando instruções de rota e o tempo que falta para chegar ao destino, numa angustiante contagem regressiva. Aparentemente apenas um drama familiar. Mais aos poucos vai virando outra coisa: entra um ambíguo toque sobrenatural (morte e carma). É o filme “Hallow Road – Caminho Sem Volta (2025), do diretor britânico-iraniano Babak Anvari, onde a estrada é uma alegoria da incapacidade dos pais de se reconciliar com a verdade que os condena: a “família renitente” – a ideia idílica de pais como porto de segurança e que supostamente manteria os filhos blindados das consequências dos seus próprios atos. Incapazes de lidar com dilemas morais.

Leia + »

A Alemanha virou um jogo 'scape room' no filme 'Brick'

Um casal discute no meio da noite. Uma história de grande perda, mágoas e incomunicabilidade. Ela pega sua mala, abre a porta do apartamento para sair da vida dele, mas encontra uma estranha barreira entre ela e seu futuro: um muro escuro e fosco com tijolos irregulares e estranhas propriedades magnéticas. E o que é pior: todo o prédio foi cercado por esse muro. Todas as janelas e saídas foram bloqueadas, sem que ninguém percebesse. Eles e todos os moradores do prédio terão que encontrar a saída e resolver o mistério. A produção Netflix alemã “Brick” (2025) vai na esteira de filmes quebra-cabeças “scape room”, como “Cubo” ou “Jogos Mortais”, com uma pressuposta vibe estilo Matrix. Mas, principalmente, “Brick” é um thriller tecnológico cujo muro é uma metáfora da insegurança alemã pela ascensão do neonazismo no país, além da insegurança da própria Europa com a Guerra Fria 2.0 com a Rússia.

Leia + »

Os zumbis da Sociedade do Cansaço no filme 'Extermínio: A Evolução'

Dentro da Cineteratologia (o estudo das representações da monstruosidade e do mal no cinema e audiovisual) os zumbis têm uma posição de destaque: como as mudanças na sua caracterização ao longo tempo espelham as mudanças culturais e do imaginário da própria sociedade – das sociedades escravocratas e racistas, passando pelo pânico do terrorismo viral da virada do milênio, para a “sociedade do cansaço” (Byung-Chul Han) do século XXI. O filme “Extermínio: A Evolução” (28 Years Later, 2025), de Danny Boyle e Alex Garland (fechamento da trilogia “Extermínio” iniciada em 2002), além de fazer uma evidente alusão ao Brexit e o pânico da COVID-19, revela como o zeitgeist da sociedade do cansaço chega aos zumbis: “infecção” não seria o termo certo: os zumbis têm surtos híbridos de superexcitação, pânico e agressividade. Zumbis bipolares que espelham uma sociedade atual hiperativa e submetida à descarga sensorial, cansaço e depressão. Um vírus devastou o Reino Unido, tornando a ilha isolada da Europa continental e posta em quarentena forçada. Os sobreviventes eventuais têm que se virar sozinhos. Mas os zumbis parecem que estão evoluindo. Assim como os humanos. Por meio da hipernormalização.

Leia + »