'Freeway': Chapeuzinho Vermelho cai nos anos 1990. E descobre que os lobos são mais malvados

Desde que o conto de Chapeuzinho Vermelho chegou na Europa em 1697, passou por um longo processo de depuração. Até os Irmãos Grimm tirarem todo o sangue e canibalismo da versão original. E Disney transformar em entretenimento moral. Porém, na década de 1990 Chapeuzinho descobriu que os lobos são maiores e mais malvados. Lenhadores não irão salvá-la e a heroína precisará de muito mais recursos. Essa é a premissa do filme “Freeway – Sem Saída” (1996) um filme que, à época, passou sem o devido impacto. Porém, envelheceu bem, virando um cult. Principalmente pela performance selvagem de Reese Witherspoon e Kiefer Sutherland. Uma “white crap” foge dos pais delinquentes e da assistente social e viaja para a casa da avó. Mas no caminho, está a sua espera um pedófilo e assassino em série. Um mix enlouquecido de Chapeuzinho Vermelho, David Lynch e Tarantino. 

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'Não! Não Olhe!': resta algo na galáxia que não possa ser explorado como entretenimento?

Em “Não! Não Olhe!” (Nope, 2022) Jordan Peele abandona o terror racial de “Corra” e “Nós” para ingressar no terreno híbrido sci-fi, terror e muita metalinguagem e alusões ao cinema e cultura pop. Aproximando-se da crítica social de “Não Olhe Para Cima”. Algo ameaçador está vindo do céu sobre um rancho que fornece cavalos para produções de cinema e TV. A primeira reação dos protagonistas não é a de lidar com o horror cósmico, mas encontrar uma maneira de monetizar o estranho fenômeno. Numa cultura na qual Tik Tok, YouTube e canais de notícias 24 horas subliminarmente oferecem diante dos nossos olhos a promessa de fama da noite para o dia, como seria possível a expressão do horror cósmico com toda a sua intensidade numa cultura com tantas camadas semióticas nos separando da realidade?

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Em 'Georgetown' a América é enganada pela sua própria ilusão

Washington DC é um verdadeiro Triângulo das Bermudas, habitado por poderosos, aqueles que tentam influenciar os poderosos e aqueles que escrevem sobre ambos. Gente, com muito dinheiro, status, posição e privilégios. Mas que, mesmo assim, não estão a salvo de serem enganadas pelas mesmas armas que fizeram a hegemonia da América: a ilusão e a mentira. Baseado em um caso real, “Georgetown” (2019), estrelado e dirigido por Christoph Waltz, acompanha um vigarista que fez carreira no centro do poder à base de falsos currículos, diplomas e certificados impressos a partir de sites fakes da Internet, citações de amizades fictícias e relações imaginárias com potências estrangeiras. Uma história que terminou em assassinato. E que aponta para o ponto fraco de um país construído a partir da imagem: a nostalgia de alguma essência real que nunca teve.

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A ascese solitária dos influenciadores digitais em 'Sweat'

As celebridades olimpianas do século XX foram substituídas pelos influenciadores digitais do século XXI. Trazendo a possibilidade para todos da celebrização de si mesmo, da selfie ao influenciador profissional. E uma nova moral: o ascetismo mundano – a disciplina e autocontrole para atrair a atenção de todos. Mas o custo físico e psíquico é alto. Esse é o tema da co-produção sueco-polonesa “Sweat” (2020): acompanhamos três dias de uma influenciadora de fitness motivacional, rodeada por fãs fiéis, mas que experimenta o resultado final da dissociação entre a sua imagem deslumbrante nas redes sociais e a intimidade: a negligência emocional que tenta ser remediada pelo trabalho intenso.

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'Pleasure': a invenção do feminino pelo olhar masculino da indústria pornográfica

#MeToo, Time’s Up, movimentos de mulheres, de gênero, de raça. Uma onda sísmica de denúncias de assédios, intolerância e preconceitos abala Hollywood, mídia e meio corporativo. Encampado pela grande mídia e setores políticos progressistas ou nem tanto. Porém, um setor na sociedade permanece alheio a tudo isso, uma indústria silenciosa e oculta no cotidiano: a indústria pornográfica e sua linha de produção que continua irradiando no dia a dia o prazer escópico masculino que reduz mulheres e raças a fetiches do capital. Tornando os movimentos identitários um trabalho de Sísifo. O filme sueco “Pleasure”, da diretora Ninja Thynberg, é o olhar de uma estrangeira para a indústria multimilionária pornô dos EUA, fugindo dos discursos maniqueístas e moralizantes. Ao narrar a estória de uma jovem que chega em Los Angeles disposta a se tornar uma estrela mundial do gênero, Thynberg lança um olhar corajosamente feminista sobre o prazer escópico masculino da base dessa indústria: a invenção do “feminino” pelo ponto de vista do capital.  

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Entrevista com Fábio Shiva, autor de 'Favela Gótica' e ópera-rock 'Anunnaki', por Claudio Siqueira

Ex- baixista da banda doom metal Imago Mortis e autor do romance Favela Gótica, Fábio Shiva desenvolveu, junto com seu irmão Fabrício Barretto, a ópera-rock Anunnaki, da banda Mensageiros do Vento. A história mais antiga da humanidade é contada na forma de um desenho animado, onde as músicas narram a epopeia dos Anunnaki e o consequente surgimento mítico(?) da humanidade. O Cinegnose teve o prazer de entrevistar o autor e compositor de uma das bandas mais importantes para o cenário underground nacional e autor de uma das melhores obras cinematográficas de nossa filmografia. Cinegnósticos, Fábio Shiva.

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A produção social da loucura híbrida no documentário 'I Think We're Alone Now'

Não é por menos que a guerra híbrida tornou-se a tática de intervenção política mais bem-sucedida do século XXI, impulsionando “revoluções coloridas” por todo o planeta. A cultura pop, centrada no culto das celebridades, gerou a matéria-prima psíquica necessária para a criação das cismogêneses que evenenam as sociedades. O documentário “I Think We’re Alone Now” (2008) retrata dois fãs da cantora pop adolescente dos anos 1980, Tiffany, que passaram a acreditar que estavam envolvidos em um relacionamento intenso e pessoal com a celebridade. Fãs limítrofes prisioneiros na cilada imaginária do “duplo vínculo” (Gregory Bateson), condição esquizo criada por relações familiares danificadas e ampliada pela relação paradoxal dos espectadores com as mídias que diluem as fronteiras entre relação exclusiva/anonimato, intimidade/massificação, público/privado. Oferecendo a vulnerabilidade necessária para sociedades-alvo serem corroídas por dentro.

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Em "Psicopata Americano" a psicopatologia foi normalizada no mundo corporativo

Vinte e dois anos depois, o filme “Psicopata Americano” (American Psycho, 2000) permanece tão afiado como sempre foi. Tanto o livro quanto o filme passaram por uma odisseia de produção, como uma batata quente pulando de uma mão para outra. Até finalmente virar um filme não só sobre narcisismo e materialismo de um Yuppie dos anos 1980. Mas uma metáfora atemporal sobre a loucura do trabalho no capitalismo flexível de aquisições e fusões: a corrosão do caráter, personalidades manipuladoras, frieza, amoralidade e a compulsão psicótica em literalmente superar a concorrência matando rivais. Com o auxílio de todo arsenal da literatura de autoajuda, manuais sobre sucesso etc. Porém, a principal piada de toda sátira de “Psicopata Americano” é que ninguém parece notar que há algo errado com ele. A psicopatologia foi normalizada pelo mundo do trabalho. 

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A uberização do ego no filme 'Spree'

“No futuro, todos terão 15 minutos de fama”, profetizava Andy Warhol. Ele só não contava com a precarização da busca da fama, assim como ocorre com motoristas de aplicativos. A consequência é a “uberização do ego”, construído a partir dos obscuros algoritmos e métricas das redes sociais e plataformas. Esse é o tema de “Spree” (2020), um híbrido de crítica social e terror slash com muito humor negro. Para Kurt Kunkle, toda vida é “conteúdo” para ser transmitido. Seu valor como humano é medido por quantas pessoas sintonizam suas transmissões ao vivo ou "curtem" seus vídeos. Porém, como tornar a si próprio viral? Depois de dez anos com apenas dois dígitos de seguidores, Kurt cansou de gritar no vazio: vira motorista de aplicativo e espalha câmeras pelo carro para transmitir em tempo real o destino sangrento de seus passageiros.

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Alien's Day: das raízes bíblicas às ocultistas do universo Alien, por Claudio Siqueira

Dia 26 de abril se comemora o Alien’s Day (o Dia do Alien, numa tradução livre, já que ainda não há tradução para a língua portuguesa, pelo menos no Brasil), o famigerado xenomorfo da franquia Alien. O monstro mais famoso e amado do cinema – e dos quadrinhos – não o é por acaso; ele foi concebido pelo pintor e escultor surrealista Hans Ruedi Giger, ou simplesmente H.R. Giger como é conhecido. O Cinegnose vem dissecar a criatura, suas fontes de inspiração e o porquê de Prometheus e sua sequência não serem tão ruins como dizem as más línguas.

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O Pentagrama, o Diabo e o Oculto no game eletrônico 'Pilgrims', por Claudio Siqueira

Eu já falei da Amanita Design aqui, mas falar deles nunca é demais. A equipe de jogos independentes da república tcheca ressuscitou muito bem o estilo de games adventure point-and-click, criando incríveis narrativas mudas, contando às vezes belas histórias ainda que numa atmosfera lúgubre. Neste artigo o Cinegnose vem mostrar o interessante jogo Pilgrims, cujo gameplay se dá todo na mecânica de um único puzzle de Samorost 3 – Pilgrims é um jogo sobre um humilde peregrino em sua jornada esotérica, com elementos do Oculto implícitos. Desde o Pentagrama, que abre o jogo, até o Diabo... que reclama a alma de um padre que teria pecado.

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Série 'For All Mankind': e se os soviéticos tivessem chegado primeiro na Lua?

Ao lado da série “O Homem do Castelo Alto”, “For All Mankind” (2019- ) é uma série que se alinha ao subgênero das realidades alternativas – se a série baseada em Philip K. Dick mostrava uma realidade alternativa na qual Alemanha e Japão ganhavam a Segunda Guerra Mundial, nessa da Apple TV + acompanhamos o efeito em cascata, seja geopolítico, seja na cultura e costumes, dos soviéticos terem sido não só os primeiros a pisar na Lua, mas de também colocar a primeira mulher cosmonauta pisando o solo lunar. A questão é que, mesmo em um mundo alternativo, a série repete as mesmas mitologias do nosso mundo real: a NASA como como uma agência “científica” e astronautas como os playboys do “american dream”. 

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Filme "Ham on Rye": a impermanência da juventude entre o sonho e o conformismo

“Ham on Rye” (2019), do diretor Tyler Taormina, é um daqueles filmes para cinéfilos aventureiros: é um filme marcado pela estranheza porque, aparentemente, nada acontece. A única âncora narrativa é uma espécie de ritual de passagem tradicional de uma cidadezinha suburbana sem graça: grupos de adolescentes do final do ensino médio rumam para a lanchonete Monty’s no qual, de alguma maneira, será decidido o futuro adulto de cada um. “Ham on Rye” é um filme sobre a impermanência da juventude e a forma como ela parece desaparecer. É um filme vago, mas, estranhamente prazeroso. Há um subtexto sobre o dilema adolescente do “duplo vínculo”: o medo paralisante da rejeição criado pelo dilema de ficar entre o sonho e o conformismo; entre as aspirações e a resignação.

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O 'mind set' da guerra híbrida no filme 'Batman'

Pouco depois dos atentados de 2001 nos EUA, o Governo Bush reuniu-se com os chefões da indústria do entretenimento, em um hotel de Beverly Hills, definindo uma Agenda Hollywood para os próximos 20 anos com as linhas gerais para produção de conteúdos. Entre elas, a intensificação das franquias de super-heróis das franquias Marvel e DC Comics. Mais do que impor valores americanos, a estratégia era de criar o “neurocinema”: através do universo expandido das franquias, criar um “mind set” necessário para as “revoluções híbridas” planetárias da geopolítica dos EUA. “Batman” (The Batman, 2022) de Matt Reeves é a produção mais acabada dessa Agenda – como o senso particular de justiça de Batman criou um monstro: uma versão Incel do Charada numa Gotham doente e decadente, no qual ressentimento e o senso de antipolítica pavimentam a ingovernabilidade necessária para todas as “revoluções coloridas” globais.

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Gnosticismo e o zeitgeist de final de milênio na série "Feria: Segredos Obscuros"

O final do milênio criou um zeitgeist que parecia despertar crenças milenaristas medievais: seitas esotéricas ou ocultistas, envolvendo suicídios coletivos, começaram a pipocar em várias partes do mundo. E na cultura pop, Nostradamus e profecias sobre o fim do mundo (inclusive o Y2K, o “bug do milênio”) estavam em alta. Não foi por acaso que as mitologias gnósticas chegaram ao mainstream hollywoodiano, consolidando o gnosticismo pop em filmes como “Show de Truman” e “Matrix”. É neste espírito de final do século XX que se inspira a série Netflix espanhola “Feria: Segredos Obscuros” (2022). Em 1995, uma pequena cidade é atingida por um evento inexplicável: 23 pessoas aparecem mortas junto a uma antiga mina, envolvendo algum tipo de seita ocultista. Repleta de alusões ao Gnosticismo, a série tenta combinar a mitologia gnóstica com todos os tropos dos filmes sobre seitas e cultos: sacrifícios de sangue, sexo ritual, morte, portais interdimensionais etc. E até uma metáfora política do regime franquista na Espanha.

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HQs e o Nazismo: e se a Alemanha tivesse vencido a Segunda Guerra Mundial?, por Claudio Siqueira

Como se não bastasse tudo o que vem acontecendo nos últimos anos, desde uma eleição nefasta até a disseminação do agente patogênico mais contagioso da história, tivemos a declaração bombástica do antigo Youtuber Bruno Aiub, o Monark do podcast Flow. Durante o bate-papo com a deputada Tabata Amaral do PSB e o deputado Kim Kataguiri do DEM, Bruno Aiub defendeu a criação oficial de um partido nazista alegando que: “A esquerda radical tem muito mais espaço que a direita radical, na minha opinião (...) Eu acho que o nazista tinha que ter o partido nazista reconhecido pela lei”. Pra piorar, Monark deu uma de Phil Anselmo, antigo vocalista do Pantera, em seu episódio onde fez a saldação nazista enquanto gritava “White power!”, alegando que estava bêbado. O Cinegnose vem mostrar uma lista de HQs, animes e personagens que retratam os horrores do nazismo, além de três obras distópicas que mostram o que teria acontecido se a Alemanha tivesse vencido a Segunda Guerra Mundial.

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Todo adolescente é um alien na série 'Nada é o que Parece Ser'

Quando nos deparamos com uma produção audiovisual nórdica sobre adolescentes, temos que prestar melhor atenção. Ao contrário dos congêneres hollywoodianos, centrados em dramas escolares com valentões, bullying e “losers” ansiando pela aceitação no grupo, filmes e séries nórdicas elevam os temas “teens” ao existencial e aos dramas da própria espécie humana. A série Netflix dinamarquesa “Nada É o que Parece Ser” ("Chosen", 2022- ) mantém esse tom ao se filiar ao sub-gênero indie “alt.sci-fi”: os temas da ficção científica são apenas pano de fundo para discutir as questões que cercam a adolescência: identidade, gênero, sexo, autoconhecimento etc. Um meteorito caiu numa pequena cidade há 17 anos e se transformou numa atração turística. Jovens acreditam que tudo é uma conspiração para esconder aliens que ali moram, confundindo-se com humanos. Jovens que encarnam a narrativa mítica de Detetives e Estrangeiros, tanto no cinema quanto na literatura. Afinal, todo adolescente já parece se sentir como um alienígena nesse mundo.

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Serial killer, mídia e efeito Heisenberg no filme 'Círculo Vicioso'

Bem diferente do vitoriano Jack O Estripador, hoje o serial killer é um fenômeno midiático: não só se utilizam da mídia para obter a atenção como aprendem nas séries e filmes as técnicas de investigação policiais e o modus operandi de outros assassinos para se safarem. É o chamado “efeito Heisenberg” midiático. A comédia “Círculo Vicioso” (Vicious Fun, 2020), em um retrô (celebra os clichês de terror dos anos 1980) e slasher estilosos, faz uma metalinguagem desse paradoxo midiático. Um escritor e aspirante a roteirista de filmes de terror conhece, da pior maneira possível, a realidade muito além dos clichês daqueles filmes clássicos de terror dos anos 1980: ele acaba caindo numa espécie de grupo de autoajuda de assassinos seriais. E descobre como a sua cinefilia volta-se contra ele: os assassinos são tão autoabsorvidos que viraram clichês fílmicos vivos que matam de verdade.

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'Festival do Amor': Woody Allen implacável com o cinema e com ele mesmo

"Festival do Amor" (Rifkin’s Festival, 2020), 49^o longa-metragem de Woody Allen, à primeira vista parece uma comédia leve, romântica e nostálgica. Mas, na verdade, é a produção mais cáustica, melancólica e implacável de Woody Allen dos tempos recentes, não só com o cinema, mas, principalmente, com ele próprio. O dublê da vez do diretor é o ator Wallace Shawn, que faz um escritor com bloqueio criativo e ex-professor de cinema, velho chato vestindo um típico jeans de vovô e que fica tagarelando sobre os mestres do cinema, enquanto sua vida real está desmoronando. Um filme metalinguístico com inúmeras citações dos clássicos, de Orson Welles, Godard a Fellini e Lelouch. Para provar, com o autodistanciamento irônico de sempre, que o cinema abandonou suas questões simbólicas e filosóficas para mergulhar no realismo raso do ativismo midiático.

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Série 'Estação Onze': Shakespeare versus história em quadrinhos no fim do mundo

A série HBO Max “Estação Onze” (Eleven Station, 2021- ) é muito mais do que outra série adaptada de romance profético sobre a atual crise pandêmica global. A série redefine as narrativas sobre o fim do mundo. Uma pandemia de gripe extermina mais de 90% da humanidade – na verdade uma bomba viral, sem período de incubação. O que restou foi um mundo pós-apocalipse, relativamente otimista, que vive sobre os escombros de celulares, computadores e Internet (agora inúteis) e onde uma trupe de atores e músicos shakespearianos apresenta montagens itinerantes levando o que restou da arte da velha civilização. Mas também herdou uma HQ chamada “Estação Onze” que virou um objeto de culto profético e religioso com sua mensagem enigmática. Enquanto Shakespeare inspira arte e entretenimento, a HQ influencia perigosas seitas fundamentalistas. Será que o gibi teve o mesmo destino que aquele reservado à Bíblia Sagrada no nosso mundo?

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